La importancia que tiene la luz, no sólo es para que apreciemos el escenario y el espectador vea al artista, ya sea actor, músico, bailarín, etc.
La iluminación es un complemento para el espectáculo igual de importante que cualquier otro. Con la luz podemos crear todo un concepto, una atmósfera única para cada espectáculo más allá del tipo de evento que se trate.
Ahora, ¿cómo se puede lograr esto?, pues definitivamente no es una tarea fácil,
Primero que nada se debe tener en cuenta que para ser iluminador es necesario tener conocimiento del equipo, teoría del color, voltajes, entre otros, además debemos de tener mucha práctica, ya que la iluminación es una profesión como cualquier otra.
Segundo, hay algunos factores específicos que debemos tener en cuenta antes de comenzar; empecemos por identificar el tipo de espectáculo que vamos a iluminar, puede ser danza, ópera, un concierto o televisión, dependiendo del tipo de show es la manera en que vamos a iluminar. Una vez que lo identificamos, hay que conocer el concepto global de la obra, por ejemplo, si nuestro artista tiene un concepto más teatral como: la Castañeda, Triciclo Circus Band, Lady Gaga, Michael Jackson, por mencionar algunos. El trabajar con este tipo de artistas es complicado ya que tienen una forma muy peculiar de visualizar su espectáculo (la música, el concepto teatral, la dramática del show) y la forma que buscan comunicarse con su público es complejo, no quiero decir que otros artistas no tengan su complicación, pero estos ejemplos me sirven ya que la idea de un concierto sobrepasa lo que usualmente vemos en un espectáculo, esto lo hace único e inolvidable para todos y cada uno de sus espectadores.
Ahora bien, ya que contamos con el concepto; el siguiente paso es saber los gustos de nuestro artista (colores favoritos, si les gustan los estrobos, etc.), este paso es primordial para comenzar a diseñar, y lo podemos hacer sin necesidad de un equipo o software muy sofisticados, simplemente con tener una gran imaginación, papel en blanco y algunos colores es más que suficiente, aunque lo anterior nos facilita considerablemente el trabajo.
Para diseñar, primero debes realizar tu lightplot o plano de luces, éste es la base de todo tu diseño, ya que en él colocas el equipo que vas a utilizar y la ubicación de acuerdo a las características del lugar en donde se presentará el espectáculo. En él debes especificar el tipo de luminarias que necesitas, si son convencionales, LED, móviles, etc., Cuántas necesitas, el voltaje que utilizan, los watts de potencia que requieres y de ser necesario los filtros, gelatinas o Lucas (como sea que les llames) e inclusive la consola que deseas utilizar.
Una vez tienes tú lightplot, entonces comienzas a diseñar tus cues o render, esto lo puedes realizar desde un software de descarga ya sea libre o alguno pagado, existen muchos en el mercado, pero algunos de los mejores que yo he probado son Titan de avolites, MA de Grand MA y Magic Q de ChamSys, además son gratuitos; pero como ya lo dije, no es obligatorio que los uses, puedes utilizar una hoja de papel y colores, lo importante es que al momento en que llegues al venue tengas claro qué es lo que quieres lograr.
La ventaja de diseñar utilizando un software es que puedes llegar con un show programado y optimizar el tiempo en la consola para poder corregir las posiciones de las luces que utilizarás en los momentos importantes, en resaltar una acción o al artista mismo. Aunque en el mundo del espectáculo no todos tenemos la oportunidad de tener siempre la consola que deseamos, llegará un momento en el que podamos pedir y tener un rider fijo, aunque para eso se necesita mucha experiencia y paciencia.
En caso del teatro, dependemos de la consola con la que cuente el recinto, por ejemplo, en el teatro libanés que es donde yo trabajo, hay una ETC Element y próximamente llegará una ETC ION XE, pero en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris hay una consola roadhog y otra avolites pearl expert (ambos Venues ubicados en la CDMX), razón por la cuál es más complicado programar un show, pero una vez teniendo tu render, puedes llegar al recinto para programar tu show sin ningún problema.
Finalmente, un buen diseño de luces no depende del equipo con el que se cuente, sino de la creatividad e imaginación que cada iluminador tiene, además de la constante preparación y práctica, la prueba y error que cada uno de los operadores pueda tener hace que tu desempeño crezca.
Mary J. Varher – Bailarina, coreógrafa, docente e iluminadora. Comenzó su carrera de bailarina en Guadalajara a los 14 años y a los 15 la de actriz, ahí fue donde tuvo su primer acercamiento a la iluminación. Posteriormente se mudó a la CDMX donde estudió la licenciatura en docencia de danza clásica en la Escuela Nacional de Danza Clásica y Contemporánea, en donde también recibe clases de producción escénica de parte de Jana Lara, teniendo así su segundo acercamiento a la iluminación y quedando fascinada por lo que puede lograrse con un elemento tan poco tangible. Hizo su servicio social en el Teatro Raúl Flores Canelo bajo la tutela de Ivonne Flores. Conforme sus necesidades fueron aumentando, continuó aprendiendo de grandes maestros como lo son Carlos Mendoza, Zanoni Blanco y Mario Flores. Ha trabajado en diversos proyectos como lo es “Conexión sonido-cuerpo-imagen” bajo la dirección de Antonio Isaac, en las compañías de danza “Proyecto Bara” “Spatio Ac Tempore” y “México Espectacular”, entre otras, ha participado como ingeniero de iluminación con artistas tales como: Genocidas del Misterio y Descartes a Kant. Actualmente se encuentra como jefa de iluminación en el Teatro Libanés del centro Libanés ubicado en la CDMX.